"Happy Together (Felices juntos)" (1997)

1997: Cannes: Mejor director / Drama. Romance. Homosexualidad / SINOPSIS: Lai Yiu-Kai y Ho Po-Wing viven una apasionada relación. Viajan desde Hong Kong a Argentina, pero la llegada al nuevo país parece transformar las cosas y Ho, de repente, abandona a Lai. Éste comienza a trabajar en una bolera, con el único afán de reunir el dinero suficiente para volver a su país. Un día Ho reaparece, pero las cosas ya no son iguales...





Basada en el relato "The Buenos Aires Affair", de Manuel Puig, fue escrita, dirigida y coproducida por Wong Kar-Wai. Se rodó, con un presupuesto modesto y sin permisos oficiales, en el barrio La Boca, de Buenos Aires, y en Taiwan, entre setiembre y diciembre de 1996. Obtuvo el premio al mejor director en Cannes.

La acción tiene lugar en Hong-Kong, Buenos Aires, Iguazú y Taiwan, entre el 12-V-1995 y el 20-II-1997. Narra la historia de amor, desencuentros, infidelidades, celos, rupturas y reencuentros de dos jóvenes hongkoneses, Ho Po-wing (Leslie Cheung) y Lai Yu-fai (Tony Leung), que abandonan Hong-Kong en busca de mejores oportunidades.

La historia se presenta como referencia del amor de pareja en general. Las diferencias, discusiones, arrebatos y desamores, que inundan la vida de convivencia, pretenden mostrar una experiencia amorosa amarga, de sentimientos intensos y grandes fustraciones, de valor universal. Es, también, una historia de soledades y desarraigo y, a la vez, una historia de amor gay, que se muestra con naturalidad. El amor humano puede ser fuente de felicidad por un espacio de tiempo limitado y reducido o prolongado. El amor no garantiza la felicidad para siempre. No hay felicidad sin amor, comprensión, tolerancia y habilidades de convivencia. La estética del filme, de aire expresionista, ofrece imágenes distorsionadas, espacios irreales, escenarios opresivos y rincones malolientes, en los que se mueven dos personajes infelices.

La música combina percusiones graves con melodías malancólicas. La añadida incluye la festiva "Happy Together", "Cucurrucucú paloma", "Tango apasionado" (Piazzola), "Milonga for Three" y otras. Se oyen guitarras, saxo alto, órgano, contrabajo, piano, clarinete, bandoneón, violín y otros. La fotografía hace uso de sobreexposiciones, contraluces deslumbrantes, planos picados, travellings espectaculares, cambios de velocidad de reproducción y otros artificios, que confieren a la narración una gran belleza visual. Destacan las escenas de las cataratas de Iguazú, símbolo de la vida y del ideal de serenidad que buscan los protagonistas. La imagen resalta la decoración kitsch y el ambiente deprimente de la obra. El guión constuye unos diálogos fluídos y rápidos, que dan vida a una narración de miseria y desesperanza. Describe con precisión los perfiles diferenciados de los dos protagonistas: Lai You-fai es el amante que espera, soporta desaires, sufre y busca el amor duradero, mientras Ho Po-wing es agresivo, discutidor, infiel y busca refugio en amores ocasionales y en la prostitución. La interpretación de los dos protagonistas es excelente y rica en matices. La dirección con una magnífica puesta en escena realiza una obra no convencional y valiente.

Es la primera gran historia de amor del autor. Equilibrada, de música sugestiva y de fotografía expresionista de gran belleza, cuenta un relato dramático y desagarrador, profundamente humano y, por ello, sobrecogedor y de gran interés.


Obra maestra

La chica del puente (La fille sur le pont) (1999)

Drama romántico / SINOPSIS: Gabor es un lanzador de cuchillos que salva la vida a Adèle al convencerla de que no se lance al Sena desde uno de sus puentes. Adèle siempre ha tenido mala suerte con todo el mundo, Gabor es un poco mentiroso pero en el fondo tiene buen corazón. Los dos deciden unir sus vidas y si por alguna razón tienen que estar separados, saben que pueden hablarse en la distancia. Pero Adèle, tiene un problema, es una persona inestable y se cansa pronto.



Leconte nos muestra cómo una existencia llena de vacío, de hipocresía, logra el sentido que nunca tuvo en el momento en que se decidía a romper ese fino hilo que comunica entre la Vida y la Muerte. Sobre cómo una particular proposición, "ese algo de ese alguien" cambia radicalmente el guión de nuestra historia.

"La chica del puente" no es una película de amor convencional. Ese amor que prolifera durante todo el film entre el genial Auteuil y la enigmática e inocente Vanessa Paradis es difícil de explicar. ¿Alguien dijo que los sentimientos tienen una fórmula científica para comprenderlos? El tema de la película es la suerte, el azar, toda cosa o persona que hallamos un buen día fortuitamente. Ambos protagonistas por separado tienen en su rostro tatuada la mala suerte; pero cuando se unen toda señal desaparece. Por otra parte, tanto la fotografía en blanco y negro como la música principal, "Who will take my dreams away?" de la fabulosa Marianne Faithful, enriquecen el film armonizando con el argumento. Además, todo esto nos hace situar la película en una época anterior a la que data.

No se trata del salvador y la suicida salvada...Sino de dos salvadores que lo hacen del uno al otro y; además, sin saberlo, se salvan ellos mismos.

Y la canción principal de la película, una letanía tristísima desgranada por la voz prosa de Marianne Faithful. Un lujo.

4 estrellas

Una escena inolvidable

Eden

Monstruoso (Cloverfield) (2008)

Ciencia-Ficción. Acción. Thriller. Intriga. Catástrofes / SINOPSIS: La noche en que varios jóvenes neoyorquinos celebran la fiesta de despedida de un amigo en Manhattan, un monstruo del tamaño de un rascacielos llega a la ciudad. Contada desde el punto de vista de la videocámara de uno de ellos, este es el escalofriante documento sobre sus intentos por sobrevivir durante los momentos más increíbles y terroríficos de sus vidas. Producida por J.J. Abrams, creador de la serie "Perdidos".



Cloverfield es posiblemente la muestra mas realista de lo que significa el caos y el miedo en una gran ciudad ante algo descontrolado y con la impotencia de que estas a su merced, por eso Cloverfield es la representación mas clara de lo que significo el 11-S para todos los americanos. Y es irónico que el primer film que se acerque tanto a mostrarnos el caos que se vivió aquel día, sea una producción de ciencia ficción. 

Pero todos sabemos que cuando no se tiene lo que hay que tener para mostrar la realidad de ciertos hechos o se tiene miedo a la censura e incluso la persecución, la ciencia ficción siempre se a ocupado de solventar ese problema que hoy en día por desgracia se sigue produciendo, por todo eso y mas Cloverfield aparte de ser la primera película del 2008 que sobresale ante las demás es un ejercicio de retrospección que nos hace recordar lo que sentimos aquel fatídico día y además es un espectáculo de primera, con los mejores ingredientes de la ciencia ficción, el drama y las películas de acción y catástrofes, el punto de vista subjetivo que da la cámara domestica le da un tono realista y perturbador apasionante, como ya ocurría con la reciente y magistral REC, pero Cloverfield es mas compleja, porque hacerte creer que un monstruo gigante que ni si quiera sabes de donde viene (o si) esta atacando nueva York destruyéndolo todo y comiéndose a la gente, es una tarea harto difícil, pero MATT REEVES inyecta los suficientes elementos para que la historia se sostenga de manera seria y no acabe siendo un sin sentido apocalíptico.

 Imprescindible verla en cines, porque el film de MATT REEVES es tenso, terrorífico, sobrecogedor y sobre todo un producto serio que no pretende reírse del espectador, con momentos narrativos brillantes y algún que otro tramo de dudosa credibilidad pero perdonables, porque no nos podemos olvidar que lo que estamos contemplando es una película y necesita de pasajes narrativos arriesgados para continuar con la acción.

The Doors - The Doors (1967)

Creo que poca gente o de corta edad será la que no conozca alguna canción o haya oído hablar del mítico grupo estadounidense The Doors. En todos sus discos se incluyen canciones que forman parte de la historia de la música, pero creo que sin duda de entre todas ellas destacan Break On Through (To The Other Side), Light My Fire o The End. Por eso he escogido este disco como el más imprescindible para tener una buena idea de cómo es su música más característica.

El disco The Doors (1967), titulado con el mismo nombre que adopta la banda californiana, sale al mercado en enero de 1967, convirtiéndose en su álbum debut. La discográfica encargada de su producción fue Electra/Asylum Records, con la que Jim Morrison, John Densmore, Robby Krieger y Ray Manzarek firmaron un contrato en 1966. Era una pequeña empresa dedicada sobre todo a la música folk. El productor fue Paul Rothchild, encargado también de la producción en los seis discos posteriores. El disco consta de once canciones, compuestas en su mayoría por Jim, aunque con algunas excepciones. Su idea principal al realizar las canciones era la de unir el rock con la poesía existencialista y simbólica (Rimbaud era el poeta preferido por ellos), mientras jugaban a incluir un improvisado teatro en sus representaciones en directo (lo que les valió la detención de Morrison por escándalo público).

La primera canción que aparece en el disco es la conocidísima Breal On Through (To The Other Side), canción que incita a romper con las ataduras de los convencionalismos sociales y pasar al mundo de la noche, las drogas y el placer. La canción ha sido creada por Jim Morrison, y es una excelente muestra de esa fusión de rock y poesía que caracteriza al grupo. El siguiente tema se titula Soul Kitchen, canción de tintes románticos en el que Jim quiere quedarse con su amante toda la noche, calentado por el fuego de su amor, para no perderse en la vorágine de la noche. The Cristal Ship es la tercera canción, dedicada a otra de las grandes pasiones de Jim, las mujeres. La canción concluye intentando llenar su barco de cristal con mil mujeres que representan para él miles de oportunidades de placer. Es un ritmo más lento, de balada, que al principio recuerda las grandes canciones del rock de los años 50's.

Twentieth Century Fox es una canción de letra provocativa en la que describe la actitud segura y resuelta de las mujeres de su época, aunque de un modo bastante despectivo al calificarlas de "zorras del siglo veinte". Continuamos con Alabama Song, cuyo ritmo asemeja las canciones de las ferias y el circo. La letra redunda en ese carácter de diversión, y gira en torno al alcohol y las mujeres (como no podría ser de otra manera). La sexta canción es la famosa Light My Fire, canción compuesta por Robby Krieger imitando el estilo de composición de Morrison. Fue el single que los precipitó a la fama ya que consiguió convertirse en su primer número uno, que se mantuvo durante tres semanas, y permaneció entre las cuarenta mejores canciones de los Estados Unidos durante catorce semanas. El tema principal de la canción es la pasión y el desenfreno, aderezado con una magnífica interpretación de la guitarra de Krieger.

La siguiente canción se titula Back Door Man, con ritmo de blues en la que Jim se declara "el hombre de la puerta de atrás", probablemente en alusión a su condición de amante que debe huir sin ser visto. El octavo tema es I Looked At You, breve canción en la que se describe cómo dos personas se enamoran la una de la otra sin remisión y sin vuelta atrás. La balada End Of The Night es una bella canción cuyo contenido narra la atracción del grupo por la noche, a la que cantan de forma dulce como si fuera una amante más, y a la que califican como "reino del gozo" y de "la luz". Take It Comes, la penúltima canción del LP, cuenta de que hay un tiempo para cada cosa, y que no hay que apresurarse, sino tomar las cosas tal como vienen. Un sabio consejo que desoyó su propio autor, Jim Morrison, al querer vivir demasiado deprisa (como tantos otros de su época).

En último lugar se incluye una de las canciones más conocidas y alabadas de los californianos, The End. En la fama de esta canción influyó notablemente su inclusión en la banda sonora de la película Apocalypsis Now (1979), film dedicado a mostrar los horrores de la guerra de Vietnam. Esta larguísima canción (de más de 11 minutos) trata el complejo de Edipo, dibujándolo mediante extrañas imágenes que parecen sacadas de una de las alucinaciones del músico. Cuenta la leyenda que, era la canción que estaba escuchando Morrison en el momento de su muerte, la madrugada del 3 de julio de 1971, como si hubiera tenido un presentimiento de la cercanía de su final.

1. Break On Through (To The Other Side) (2:28)

2. Soul Kitchen (3:33)

3. The Crystal Ship (2:34)

4. Twentieth Century Fox (2:33)

5. Alabama Song (Whisky Bar) (3:17)

6. Light My Fire (7:00)

7. Back Door Man (3:34)8. I Looked At You (2:24)

9. End Of The Night (2:50)

10. Take It As It Comes (2:19)

11. The End (11:41)

*Bonus Track:

12. Moonlight Drive (Version 1) (2:42)

13. Moonlight Drive (Version 2) (2:31)

14. Indian Summer (1966 Vocal) (2:35)

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Ángeles caídos (Fallen angels) 1995

Drama / SINOPSIS: Leon Lai es un asesino a sueldo cansado de su trabajo que se plantea dejarlo. Michelle Reis es una prostituta que, además de buscarles los encargos, le hace el trabajo sucio a Leon. Pero ella vive apasionadamente enamorado de él, aunque nunca se hayan conocido en persona. Lai conocerá a una mujer, Karen Mok, con la que comenzará una relación. Ésta, con el tiempo, coincidirá con Reis y les preparará una cita en la que Lai le confesará sus deseos de retirarse. Reis, sintiéndose rechazada, le preparará un ultimo trabajo. Intercalándose con esta historia nos encontramos con un joven mudo, Takeshi Kaneshiro, que viviendo con su padre tiene una difícil existencia debida a su deficiencia física. Sus días transcurren entre los dispares trabajos nocturnos y servir de consuelo a una joven engañada por su novio...



Fallen Angels es una obra visualmente perfecta, que juega con ese Hong Kong reconvertido en luces de neón, sombras en la noche, cielos humeantes, estallidos de violencia desatada y música con la entramos en ese mundo oscuro de ángeles caídos.Donde los personajes que deambulan por sus calles, se pueden tropezar, ser amigos, puede que incluso confidentes, pero seguramente nunca llegarán a conocerse.La voz en off se adueña de los personajes y expresa todo lo que sienten por dentro.Wong Kar Wai es un maestro del cine moderno, que cuenta historias de gran belleza y en ocasiones, con un fuerte impacto emocional. También ayuda, que el director de fotografía sea Christopher Doyle.Me gusta la frase que se usa en la sinopsis del dvd para definir al Wong Kar Wai de mediados de los noventa. "Aun no quería susurrar, solo golpear, ser joven."Puede que esa sea una de las razones de que me guste tanto esta etapa de su cine. Todo expuesto con gran clase y estilo.Entre los actores podría destacar a todos. Leon Lai, cigarro en mano, queriendo cambiar su vida y esté bien o esté mal, tomar una decisión por si mismo.La belleza de femme fatale materializada en Michelle Reis.Takeshi Kaneshiro, que tanto aquí como en Chungking Express, deja dos personajes memorables.Pero mi pequeña debilidad personal en esta película, es Karen Mok. Con esas frases que suelta, con esa inocencia casi infantil, de la que uno fácilmente, podría enamorarse."Tal vez mañana te guste más."Noches maravillosas, cálidas y frías al mismo tiempo.Noches donde poder saborear cada instante de la compañía de otro ser humano o de la soledad.Noches de ángeles caídos.



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5 estrellas

Kaena: La profecía (2003)

Animación. Fantástico. Ciencia-ficción / SINOPSIS: Un mundo que se desvanece, una fuerza diabólica, un secreto terrible... Una gigantesca planta crece, retorciéndose, muy por encima de las nubes... en la mitad de su recorrido se asienta una aldea cuyos habitantes se hallan en peligro mortal, pues Axis se está marchitando... se le agota la savia. La gente implora ayuda a sus dioses... pero es en vano. Lle-vada por una misteriosa fuerza, Kaena, una joven rebelde e impulsi-va, desafiará al sumo sacerdote y a las creencias ancestrales de su gente para emprender un viaje lleno de peligros a lo largo de Axis descubriendo así qué oscuros secretos se ocultan más allá de las nubes...

Este es un filme que rebosa imaginación por todos lados. Demuestra que no hacen falta unos gráficos excepcionales para plasmar una historia que requiere tanto y que convence con lo que ofrece. Bajo mis conceptos, creo que muchas películas futurísticas o ambientadas en realidades posibles pero lejanas a nosotros, no llegan a la altura de esta animación y los dialogos tienen lo que deben tener; inteligencia, toques de humor y trascendencia. Además, la acción continua permite disfrutar sin pausa de impresionantes ambientaciones y personajes tan personalizados como el gusano 'gommi', que domina 12.000 lenguas y nunca habla su idioma gusano porque le avergüenza a modo de símbolo de elegancia.

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Sigur ros - staralfur

Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés y significa "rosa de victoria".

Staralfur pertenece al álbum Ágætis byrjun.



1. “Intro” – 1:36
2. “Svefn-g-englar” [Sleepwalkers] – 10:04
3. “Starálfur” [Staring Elf] – 6:47
4. “Flugufrelsarinn” [The Fly’s Saviour] – 7:47
5. “Ný batterí” [New Batteries] – 8:11
6. “Hjartað hamast (bamm bamm bamm)” [The Heart Pounds (Boom Boom Boom)] – 7:11
7. “Viðrar vel til loftárása” [Good Weather for Airstrikes] – 10:18
8. “Olsen Olsen” – 8:03
9. “Ágætis byrjun” [An Alright Start] – 7:56
10. “Avalon” – 4:00

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Polígono Sur (El arte de las Tres Mil) (2003)

Buscando las raíces del llamado "nuevo flamenco", este documental viaja a las Tres Mil Viviendas, el barrio más problemático de Sevilla, donde los antiguos gitanos de Triana se mezclan con las nuevas generaciones de músicos que funden las tendencias más modernas de la música con las profundas raíces del flamenco tradicional. Con el pretexto del homenaje a Pepe "El Quemao", en un multitudinario concierto por primera vez en las Tres Mil Viviendas, se muestran personajes de todos los estilos y edades que a lo largo del documental hablan de los problemas cotidianos de su barrio, canta, bailan, muestran sus peculiares costumbres y liman sus asperezas.

Con el lema "Déjate de paranoias y vente a Las Tres Mil" se invita a todo Sevilla a pasar una noche de buena música con la gente del Polígono Sur. La mezcla interracial y multicultural que suponen las actuales tendencias del flamenco se irán desgranando a través de artistas como Rafael Amador, Juana la del Revuelo, Ramón Quilate, El Varilla y toda una pléyade de artistas, desde los más conocidos, hasta las figuras anónimas que siguen conservando las tradiciones más ancestrales de la expresión artística flamenca.



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El Eternauta (1957-1959)

 

 "Era de madrugada, apenas las tres. No había una luz en las casas de la vecindad[....] [...de pronto un crujido, un crujido en la silla enfrente mio, la silla que siempre ocupan los que vienen a charlar conmigo...]"

 

Así comienza la historia de "El Eternauta", la historieta más exitosa, famosa y espectacular que haya sido creada en la Argentina. La historia de Juan Salvo, y su trágica aventura, que lo perdió en el espacio-tiempo, la historia de la invasión de los "Ellos" (seres con una tecnología muy superior a la nuestra, capaces de esclavizar a cuanta civilización encuentren) a la Tierra.

Esta obra, fruto de la mente del recordado Hector Gérman Oesterheld (1917 - 1977), y del genial dibujante, Francisco Solano Lopez, fué publicada por primera vez en la revista "Hora Cero", en el año 1957, y desde ese momento, fue relanzada, reeditada y leída por generaciones, que disfrutaron de esta aventura, la aventura que narra la invasión a Buenos Aires y la lucha por la resistencia.

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Freaks of the Heartland (2004)

Steve Niles adapta su novela Freaks of the Heartland en una sorprendente obra gráfica ilustrada... Aqui adapta su novela del mismo nombre al comic. Dibuja de forma increíble Greg Ruth quien consigue plasmar toda la atmosfera del relato de manera única.

La vida de Trevor en Gristlewood Valley dista mucho de ser idílica. Su padre maltrata a su madre, un monstruo vive encadenado en el granero y todo el pueblo esconde un terrible secreto. Steve Niles adapta su novela Freaks of the Heartland en unasorprendente obra gráfica ilustrada por un magnífico Greg Ruth, que retrata perfectamente a través de su paleta la vida cotidiana en la américa rural. Freaks of the Heartland es sin duda el mejor y más conocidotrabajo de Greg Ruth, que ha cosechado un éxito enorme entre público y crítica.

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Cinema Paradiso (1989)

1989: Oscar mejor película extranjera. 1989: Cannes: Premio Especial del Jurado. Globo de Oro: mejor película extranjera / Drama nostálgico / "Frente a la demolición de un viejo cine, un maduro y afamado realizador rememora su infancia y los momentos allí vividos en compañía del entrañable encargado del local. Desarrollada con ritmo ágil, interpretada de forma magistral y ambientada por una banda sonora inolvidable, la película emociona sin remedio y alcanza su clímax en un soberbio final que supone un homenaje a la historia del cine y una cita con nuestras lágrimas más sinceras"

Cinema paradiso narra la maravillosa historia de Salvatore , un joven cuyo amor por el cine, su tierra, su novia y su amigo del alma le inspiran a mejorar como persona. Un paseo bello y nostálgico por su vida, su infancia, su adolescencia y su adultez.

Giuseppe Tornatore conjugó los sueños de todo cinéfilo, vivir en una fábula donde cada caída signifique un levantamiento más fuerte, donde se puede jugar con el tiempo, con la tristeza y con la alegría, un mundo al cual tan solo podemos observar y añorar.

Magnificas interpretaciones de los tres Salvatore, el adulto, el joven y el niño; con especial mención de los dos últimos, quienes sencillamente se roban la película con el carisma que impregnaron a las andanzas del personaje central; también tenemos el privilegio de contar con Philippe Noiret , quien brinda una encarnación sencillamente magistral como el bondadoso operador del cinematógrafo.

La partitura de Ennio Morricone jamás defrauda, al igual que la hermosa fotografía de Blasco Giurato, y por sobre todas las cosas cabe admirar el magnifico trabajo de Tornatore tanto en el guión como en la dirección de esta bella cinta que ya forma parte del salón de honor del séptimo arte, un trabajo al cual no le falta nada, una obra maestra contemporánea.

Cinema paradiso cuenta además entre sus mejores logros con uno de los finales mas enternecedores de la historia del cine, un epílogo antológico para un cinéfilo empedernido como el que les escribe, un momento invaluable para cerrar esta hermosa y monumental película.

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Banda Sonora de la pelicula: http://rapidshare.com/files/51331824/Cinema_Paradiso__Limited_Edition_.rar.html ó http://lix.in/efe80f

Obra maestra

Amadeus (1984)

1984: 8 Oscar: mejor película, director, actor (F. Murray Abraham), guión adaptado, vestuario, dirección artística, sonido, maquillaje / Drama. Musical. Biográfico / SINOPSIS: Antonio Salieri es el músico más destacado de la corte del Emperador José II de Austria. Entregado completamente a la música, le promete a Dios humildad y castidad si, a cambio, mantiene sus dotes musicales de excepción. Durante algún tiempo cree que su voto ha sido escuchado pero, la llegada a la corte de un joven llamado Wolfang Amadeus Mozart, le relega a un segundo plano. Irritado por la pérdida de protagonismo, va a hacer todo lo posible para arruinar la carrera del joven músico. Mientras, Mozart sorprende a todos con sus excepcionales dotes musicales y sus caprichosas excentricidades.

¿Necesita la genialidad aposentarse en seres igual de iluminados en todas sus facetas? Por lo que se ve, no. El Mozart que nos presenta M.F. es un cretino infantiloide, voluptuoso, borrachín, con una sonrisa que habla de lo cercana que está la genialidad de la anormalidad; lo que si necesita la envidia, es de hacerse escoltar por buenas compañías. La condena de la envidia es estar al lado de lo deseado. Así, la tragedia de Salieri no es su mediocridad, sino el castigo de ser testigo de una genialidad irrepetible, casi divina. De hecho, el duelo que se establece a lo largo del film, no es entre dos contrincantes Salieri “versus” Mozart. Salieri admira a Mozart. Asiste a sus estrenos arrobado sabiendo que aquello que está escuchando tiene el don de la inmortalidad al estar hecho desde la suprema belleza e inspiración. De este modo, el duelo lo establece Salieri contra Dios, contra ese Ser Supremo que al inicio de la obra le concede su deseo, sin saber la amargura que este llevará al toparse con la genialidad en el cuerpo de un ser mezquino y amoral, no en el suyo desde siempre consagrado a honrar a la divinidad.



M. Forman realiza un ejercicio de orfebrería a lo largo de todo el film convirtiéndose en un director de orquesta, donde todos los elementos que componen un film tan complejo (imagen, sonido, decorados, banda sonora) están armonizados y aparecen ante nosotros para hechizarnos. Es curioso el uso que hace de la banda sonora, dejando de lado su función mero fondo subrayante para hacerla protagonista de ese proceso de creación que nos va mostrando (fascinantes todas las secuencias en las que vemos cómo compone Mozart; cruel el instante en que Mozart adapta la marcha que Salieri le ha dedicado, tras escucharla una sola vez). Así, no es la imagen la que nos hace testigos, sino la música la que se presenta y nos sienta en primera fila. Pero está sinfonía, necesita de buenos ejecutantes. Ya estamos habituados a que en el cine de Forman los repartos sean magistrales; de hecho, circula como una leyenda negra, sobre todo entre los que fueron protagonistas, de tras haber trabajado con Forman se ven condenados a tener una carrera irregular, pues ningún papel alcanza a lo que esté director extrae de sus interpretes. El dueto Hulce y su némesis: F.Murray Abraham está extraordinario, hasta quedar en nuestro imaginario cinéfilo como estos personajes. Finalmente, la ironía del destino se encargó de reparar las humillaciones sufridas por Salieri y fue F.Murray Abraham el que ganaría el Oscar por su interpretación. Un premio más que justo pues compone uno de los “malos” más fascinantes de la historia del cine. Los momentos sublimes se suceden como cuando lee las partituras originales de Mozart, la decadencia de su vejez, o todas las secuencias donde experimenta la humillación y vemos la intensidad de su odio contenido, pero no domesticado. “Amadeus” es una bendición, una película que se halla a la misma altura de la genialidad y la envidia que relata.

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Obra maestra

Bin-jip "Hierro 3" (2004)

2004: Venecia: León de Plata (Mejor Director) / Drama romántico / SINOPSIS: Tae-suk, un indigente, lleva una vida espectral. Ocupa temporalmente viviendas cuyos habitantes sabe que están ausentes. Nunca roba ni ocasiona daños en los hogares de sus involuntarios anfitriones. En realidad, es una especie de fantasma que duerme en camas ajenas, come algo de las neveras de esos extraños y retribuye su forzada hospitalidad haciendo la colada o arreglando alguna que otra avería doméstica. Sun-hwa, que en tiempos fue una hermosa modelo, se ha visto convertida en una sombra viviente por un marido que la maltrata, encerrándola en una casa ostentosa. El destino cruza los caminos de Tae-suk y Sun-hwa, aunque sus existencias están abocadas a no dejar huella en el mundo. Se conocen cuando Tae-suk entre en casa de Sun-hwa, y enseguida saben que son almas gemelas. Como si estuvieran unidos por vínculos invisibles, descubren que no pueden separarse y aceptan en silencio su nuevo y extraño destino.



Escrita, producida, montada y dirigida por Ki-Duk Kim. El guión se escribió en 1 mes, la filmación duró 16 días y la edición 10. Ganó el León de plata a la mejor dirección y el FIPRESCI de Venecia, la Espiga de oro de la Semana de Valladolid y otros.

Los personajes de Kim son gente de pocas palabras. Como él ha manifestado en alguna entrevista, han sufrido alguna herida muy profunda, una decepción muy grande ha matado su fe y su confianza.Estas palabras muestran claramente lo que son las vidas de los protagonistas de “Hierro 3”.

Una película hecha a pura base de ideas y encima de las baratas. Pero que como solo puede llevar a cabo un maestro como Kim, quién aquí consigue una de sus mejores películas. Sin la moralina religiosa, las lecciones punitivas sobre el sexo, ni la cruel y progresiva violencia que habitan en muchas de sus películas. Una Historia de soledades, de encuentro con la vida y con una magia, un humor y una poesía que resaltan su obra hasta convertirla en una de las 5 mejores películas del cine asiático actual.

“Hierro 3” elabora un profundo análisis de la sociedad moderna, de la necesidad que todos tenemos de saber que no estamos solos, con una riqueza en contenidos que nos son servidos de una manera sutil y muy inteligente por su director. Una película minoritaria, solamente recomendable para quienes estén dispuestos a perderse en su visión poética del mundo y reflexionar sobre los mensajes que desprende, claramente influenciados por la filosofía Zen.

La crítica social está presente en todo el metraje: el maltrato de la mujer, el poder de las apariencias, el abandono de los mayores, la corrupción policial, la incomprensión del inadaptado o diferente y la injusticia. Frente a ello tenemos el amor incondicional sin necesidad de palabras, el uso de la mente sobre la fuerza, la solidaridad del trueque (por usar las casas sin permiso, el protagonista lava la ropa o arregla cosas a cambio).En definitiva una historia bonita con un trasfondo social que muchos pueden pensar que resulta falsa e incluso fallida por la ausencia de diálogos, pero que centrándose en las miradas y los gestos sale bien parada por la puesta en escena en la que se mueven como fantasmas los protagonistas.

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4 estrellas

"Para una joven amiga que intentó quitarse la vida"

(Claudio Bertoni)

Me gustaría ser un nido si fueras un pajarito
me gustaría ser una bufanda si fueras un cuello y tuvieras frío
si fueras música yo sería un oído
si fueras agua yo sería un vaso
si fueras luz yo sería un ojo
si fueras pie yo sería un calcetín
si fueras el mar yo sería una playa
y si fueras todavía el mar yo sería un pez
y nadaría por ti
y si fueras el mar yo sería sal
y si yo fuera sal tú serías una lechuga
una palta o al menos un huevo frito
y si tú fueras un huevo frito
yo sería un pedazo de pan
y si yo fuera un pedazo de pan
tú serías mantequilla o mermelada
y si tú fueras mermelada
yo sería el durazno de la mermelada
y si yo fuera un durazno tú serías un árbol
y si tú fueras un árbol
yo sería tu savia y correría
por tus brazos como sangre
y si yo fuera sangre
viviría en tu corazón.

Este poema lo leí un día que estaba navegando por la web y me llegó, realmente me llegó.

Elfen Lied (2004)

Elfen Lied fue una de las últimas series que vi entera seguida de Claymore, tan sólo consta de 13 capítulos y un OVA. Recuerdo que la vi en una tarde con un amigo. De entrada esta serie posee la presentación más elegante y preciosista que jamás haya visto. El desfile de personajes versionando algunos de los cuadros más célebres de Gustav Klimt (p.e. El beso, La satisfacción o Danae) demuestran un gusto exquisito, y a esto hay que sumarle la preciosísima canción "Lilium", cantada por Kumiko Noma y un coro gregoriano, con una letra en latín basada en pasajes de los Salmos y del libro de Santiago, e inspirada en los himnos "Ave mundi spes María" y "Kyrie fons bonitatis". Todo un lujo para la vista y el oido.

El primer capítulo es extremadamente sangriento, la sangre como las cabezas saltan para todos lados, los cuerpos de las personas partidas por la mitad, otros mutilados, realmente lo más sangriento que he visto junto con Gantz. Luego viene lo que sería el argumento, bastante sólido y original, con personajes con un pasado desgarrador y conmovedor, una serie notable realmente y más aún 100 % recomendable para los amantes del gore.

Elfen Lied es un cuento romántico donde su calidad radica en el trato artesano y preciosista de una tésis sobre el amor en cotas llevadas hasta la vejación y la crueldad. Sostenida por su ajustada duración, ritmo y exquisita banda sonora, consigue premiar al espectador con un final de auténtico clímax, sublime.No recuerdo una banda sonora tan justificada y adecuada, sin duda lo mejor de este anime realmente crudo y violento.



En el desenlace es inevitable la participación del espectador. ¿El perdón se impone al amor o el amor se impone al perdón? Muy acertado.

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Ova
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Obra maestra

Contact (1997)

Hay que amar mucho la vida para comprender esta obra maestra, para comprender de lo que habla, para dejarse llevar por su poesía, su belleza y su absoluta perfección formal y conceptual.

"Contact" es una fábula sobre la soledad del ser humano ante la grandeza del universo, es una exploración de la necesidad del hombre de comprender su lugar en el vasto vacío que nos rodea. Habla del pensamiento, de la fe, de la necesidad de creer en lo intangible y del ánsia de superación de las personas.





No es una película apta para cualquiera, es demasiado sublime y plantea preguntas que muchos no se formulan porque ni entienden los conceptos que las integran. Foster está fantástica y el guión está escrito con una sensibilidad propia de un genio. Esa secuencia inicial, en el cual desde los vastos confines del universo alcanzamos el ojo de una niña, demuestra como la película retuerce las exploración desde lo infinito e inalcanzable al interior, a nuestro corazón y lo que necesitamos sentir y buscar para ser felices.

Obra mestra absoluta del cine universal que pasará a la historia y que algún día debería ser de visión obligada en colegios y escuelas de todo el mundo. Una de las más grandiosas obras jamás filmadas que conecta directamente con la esencia del ser humano y enriquece la inteligencia y la capacidad de abstracción.

Irrepetible, única e incomparable.

5 estrellas

Pet Shop Boys - Always On My Mind

Hola extraños hace unos días salí a una disco de la Plaza San Martín y escuché está bellísima canción.



Maybe I didnt treat you quite as good as I should
Maybe I didnt love you quite as often as I could
Little things I shouldve said and done, I never took the time
You were always on my mind
You were always on my mind

Maybe I didnt hold you all those lonely, lonely times
And I guess I never told you, Im so happy that youre mine
If I made you feel second best, Im so sorry, I was blind
You were always on my mind
You were always on my mind

Tell me, tell me that your sweet love hasnt died
Give me one more chance to keep you satisfied
Satisfied

Little things I shouldve said and done, I never took the time
You were always on my mind
You were always on my mind

Tell me, tell me that your sweet love hasnt died
Give me one more chance to keep you satisfied

You were always on my mind
You were always on my mind
You were always on my mind
You were always on my mind
You were always on my mind
You were always on my mind

Maybe I didnt treat you quite as good as I should
Maybe I didnt love you quite as often as I could
Maybe I didnt hold you all those lonely, lonely times
And I guess I never told you, Im so happy that youre mine

(maybe I didnt love you...)

2046 (2004)

Drama romántico / SINOPSIS: Él era escritor. Creía escribir sobre el futuro, pero en realidad era el pasado. En su novela, un misterioso tren salía de cuando en cuando con dirección al año 2046. Todos los que subían a él lo hacían con el mismo propósito: recobrar los recuerdos perdidos. Se decía que en 2046 nada cambiaba. Nadie sabía a ciencia cierta si eso era verdad, porque ninguno de los que viajaron regresó jamás. Con una excepción. Él estuvo allí. Se marchó voluntariamente. Quería cambiar.

"Genial poema (...) Wong Kar-wai insiste, y va más allá de donde nunca llegó, en su universo cerrado, interior, de refinada belleza y arrolladora elocuencia lírica (...) obra de talla excepcional, un prodigio de composición musical de la imagen." (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

"Obra maestra (...) Esplendorosa película (...) En una época en la que el cine parecía haber perdido la noción misma del romance, 2046 es una película desesperadamente romántica, es la 'Casablanca' del siglo XXI." (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

"Reinventar la sensualidad. (...) Las imágenes tienen una temperatura poética originalísima, nunca vista antes, a la vez que deudora de un sinfín de referencias reconocibles. (...) Lo mejor: esa cadencia, sugerente y sensual, que sólo se encuentra en las películas de Won Kar-Wai. Lo peor: tal vez, el prólogo y el epílogo gratuitamente futuristas" (Alberto Bermejo: Diario El Mundo)

Impresionante (...) Hermosa, descarnada nostalgia." (M. Torreiro: Diario El País)

"Wong Kar-Wai y su película dejan hipnotizado y perplejo al Festival de Cannes" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Una deslumbrante hazaña visual" (Lluis Bonet: Diario La Vanguardia)



Hay recuerdos que jamás se pueden olvidar. Recuerdos que, con punzantes agujas, graban un tatuaje indeleble en los estratos más profundos de la memoria. Que dirigen nuestros pasos inciertos. Cuando poseemos esos recuerdos de los que tratamos de huir, nos engañamos con la ilusión de que avanzamos hacia el futuro, cuando en realidad nunca dejamos de avanzar hacia el pasado. De regresar a aquello que podía haber sido y nunca fue.

Nada marca tanto en esta vida como ese Gran Amor perdido. Nada tatúa en el alma un dibujo más bello ni más triste. Y ese dibujo persigue siempre, sin tregua, mostrándose a nuestro corazón como el Único y Absoluto. Insustituible.Cuando el Gran Amor se te ha escurrido de las manos y no te queda de él más que esa sublime filigrana incrustada en el corazón, grabada dolorosamente a punzadas con tu propia sangre en un diseño irrepetible, sabes que, hagas lo que hagas el resto de tu vida, el dibujo no se borrará ni podrás cambiarlo por otro. Ni podrás recuperar lo perdido. Jamás.

El protagonista de este delicioso drama sensual de melancolía y de pérdida lleva el más hermoso tatuaje en el corazón, que es todo lo que le queda de su Gran Amor. El viaje hacia el resto de su vida es semejante al del tren de su novela titulada "2046". Un viaje perpetuo hacia el lugar donde nada cambia, donde los recuerdos permanecen intactos. Es caminar por el vacío con resignación, sin expectativas, con serena elegancia, permitiendo pasar una jornada tras otra sabiendo que no hay nada que esperar, que el dibujo nunca se borrará y que ningún otro vendrá a reemplazarlo, ni siquiera a desplazarlo ni un milímetro. El corazón permanecerá intocable, mientras el cuerpo se consume en la vana ilusión de otros cuerpos, otros abrazos que mitiguen el dolor del vacío. Compañía para matar esa soledad que ahoga. Corazones rotos, esperanzas vanas. Porque él no puede amar a otra que no sea Ella.

Él no engaña a nadie. Es un alma en pena, solitaria hasta el dolor, que viaja en un tren sin retorno que constantemente vuelve hacia atrás, hacia el punto de partida. Otras mujeres, todas bellas, ensalzadas por la majestuosa lírica de la imagen que cobra entidad. Todas ellas hermosas en medio de unos ambientes cerrados, oscuros. Siempre la penumbra, siempre las idas y venidas por pasillos estrechos, habitaciones pequeñas, calles vulgares iluminadas pobremente. Metáfora de una existencia gris pero de apariencia exuberante, condenada al desamor.

Y la música. La casta diva. Nat King Cole. Melancolía suprema y eterna, nostalgia incurable.

Impecable poesía repleta de una sensualidad desbordante, de puros sentimientos contenidos, de desencuentro, desengaño, heridas infligidas que no se cierran... Un viaje a ninguna parte. Al mismo sitio. Al punto de partida. Sin llegar nunca. Regresar a la nada.

Obra maestra

Trainspotting (1996)

Drama / SINOPSIS: Mark Renton es un joven escocés adicto a la heroína, al igual que el resto de sus amigos, los cuales se han creado un mundo muy particular. Entre el grupo hay un violento y alcohólico psicópata, un drogadicto desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico de Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y obsesivo de Iggy Pop.

Elige el CINE.
Elige un tema de interés.
Elige un argumento enérgico.
Elige un brillante realizador.
Elige un elenco grande que te cagas.
Elige la presencia de Renton, el carácter de Begbie, la jactancia de Sick boy y la ingenuidad de Spud.
Elige a McGregor, Lee Miller, Carlyle y Bremner.
Elige pagar por un entretenimiento de calidad.
Elige una estética transgresora.
Elige personajes con garra.
Elige una puesta en escena impecable, diálogos audaces y momentos de gran creatividad.
Elige cuadrar con minuciosidad todos esos momentos y lograr un resultado admirable, sin resultar inverosímil.

Elige la maestría, y preguntarte quien coño está detrás de todo ello.
Elige sentarte en la butaca y observar como las imágenes fluyen y te transportan a un relato tan crudo como lúcido mientras llenas tu retina de instantes magníficamente concebidos.
Elige gozar constantemente con personajes que entran y salen de la pantalla, fluyen por ella, mientras todo te impregna con su esencia.
Elige algo espléndido.
Elige TRAINSPOTTING.

Obra maestra

Requiem por un sueño (2000)

Drama. Drogas / SINOPSIS: Harry (Jared Leto) vive con su atormentada madre Sara (Ellen Burstyn), y mientras él sueña con una vida mejor, ella está permanentemente a dieta para el día que pueda cumplir su mayor ilusión; aparecer en su concurso televisivo preferido. La ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga con su amigo Tyrone (Marlon Wayans), y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca llega el dinero suficiente para iniciar su plan. A pesas de todo, Harry y Marion no se resignan a vivir una existencia que consideran despreciable, por lo que harán lo impensable para conseguir la vida que anhelan.

Impresionante experimento visual que sumerge al espectador en el descenso a los infiernos más aterrador jamás proyectado. Es la "Divina Comedia" contada al revés. El guión es sencillamente demencial y la puesta en escena deja en pañales lo arriesgado que había sido ya su trabajo en "Pi". Los actores dan miedo de lo bien que están (incluyendo el onírico 'showman' Tappy Tibbons) y, en especial, una inconmensurable Ellen Burstyn que se quedó sin Oscar por agraciar a Julia Roberts. A lo largo de este recorrido acompaña al espectador la perturbadora y desasogante banda sonora del Kronos Quartet que, una vez acabada la película, no dejará de perseguirle allá donde vaya y de ponerle los pelos de punta cada vez que escuche el asombroso tema principal, "Lux Aeterna". La película avanza como un tren fuera de control para acabar todo con unos 20 minutos finales que dejan al espectador por completo destrozado mientras es incapaz de apartar la mirada de la pantalla. Una película que deja cicatrices.





4 estrellas

Spun (2002)

Comedia. Drama. Drogas / Ross es un drogadicto cuyo principal camello se queda sin existencias, teniendo que realizar algunas tareas para un hombre que sí las tiene. Delirante comedia alrededor del mundo de las drogas, un título de cine independiente (fue rodada en 22 días) por el antiguo director de videos musicales Jonas Akerlund (realizó videoclips para Madonna, U2 o Moby, entre otros) con un reparto lleno de caras conocidas.

Curiosa y extraña película que gira alrededor del caótico mundo de unos adictos al speed, una droga anfetaminica muy destructiva que consumida de forma habitual puede provocar una psicosis semejante a la esquizofrenia, y eso es precisamente lo que refleja la película, la psicosis de los protagonistas que se atiborran a esta droga. Todo esto sin querer alejarnos de la droga ni mostrarnos ninguna moraleja, se limita a contar una historia en la que los adictos son los protagonistas.La única historia concreta de “Spun” es ver a Ross (el protagonista) haciendo de chico de los recados de “El cocinero” interpretado por Mickey Rourke, que se dedica a elaborar la droga en un improvisado laboratorio que ha creado en la habitación de un hotel.

No se parece a “Trainspotting” ni tampoco a “Réquiem por un sueño”, no es profunda ni inteligente, simplemente es una curiosidad de extraño montaje y de personajes aun mas extraños, que muestra de una forma pocas veces vista antes los efectos y la paranoia de la droga, pudiendo ser su referencia mas cercana “Miedo y asco en las vegas” en cualquier caso no hace falta hacer comparaciones ya que tiene su estilo propio y ahí radica lo atrayente de “Spun”.Lo dicho, sin demasiadas pretensiones y original.

3 estrellas

Lagaan (2001)

Musical. Drama / SINOPSIS: Durante la ocupación inglesa de la India, los habitantes de una pequeña aldea se resisten a pagar el impuesto que los oficiales británicos han doblado. Ante las protestas deciden resolver el conflicto jugando un partido de cricket: si ganan los campesinos, se les exonerará de las tasas.

Multipremiada en su país, fue nominada al Oscar para la mejor película extranjera, además de ganar el Premio del Público en el festival de Locarno.



Una película en la India es algo que en Occidente hoy en día no podemos comprender. Tiene que tocar todos los géneros: drama, aventura, comedia... en este caso hasta tenemos un tópico de deporte y un toque histórico (hace gracia incluso que los doblados sean los hindúes y los subtitulados los ingleses). Además tiene que haber canciones... Algo que difícilmente entendemos a la primera, si no estamos avisados. Más bien se parece al teatro del XVII, pero con un toque Hollywood.¡Bienvenidos a Bollywood! Y ténganse a bien a liberarse de prejuicios y de poder ver una película no occidental sin que sea "intelectual", sino entretenimiento y espectáculo.Una vez allí disfruten de una historia en que los colonizados se muestran moralmente por encima de los colonos. Donde hay héroes y traidores, amigos, valores...

Disfruten de los números musicales si les gusta, en lo particular no me gustan los musicales, (no vi Chicago tampoco Moulin Rouge y no pienso verlas) pero a parte de todo la película es realmente buena.

4 estrellas

Metrópolis (2001)

Titulo: Metropolis
Titulos Alternos: メトロポリス, Robotic Angel
Autor: Osamu Tezuka
Géneros: Drama, Acción, Ciencia Ficción






No soy el único que lo sostiene: a veces, es mejor soñar las películas que verlas. En algún caso, soñarlas es el único modo de verlas (al menos, de momento). Ahí está, por ejemplo, Megalopolis, de Francis Ford Coppola, película tan ambiciosa sobre la construcción (arquitectónica, utópica) del futuro que quizá nunca llegue a hacerse realidad.


Parece ser que Osamu Tezuka, figura clave del manga y el anime, no pudo ver, en su momento, el Metrópolis, de Fritz Lang, pero sí su cartel y, a partir de esa visión epifánica, soñó la película en forma de historieta con madera clásica.Quizá bajo el secreto influjo del fantasma de Tezuka, dos maestros del anime de última generación (o casi) ¿Rintaro y Katsuhiro Otomo¿ se han unido para dotar de realidad y movimiento (para capturar en celuloide, en suma) la película soñada por Tezuka: el resultado es una obra maestra de brillo cegador, en cuya forma dialogan dos tradiciones ¿el clásico diseño de personajes tezukiano y el barroquismo urbanístico high-tech de la magia digital?, a través de una historia compleja y tendente a la ramificación, que quizá a algún espectador parezca caótica sin serlo. Es pura ciencia-ficción adulta ceñida en una asombrosa plasmación formal. La mecánica del caos social en una antiutopía totalitaria y la búsqueda del alma (y del amor y la redención, tríada de tesoros imposibles) por parte de un ser artificial son dos de los grandes temas del género que confluyen en este trabajo imposible y avasallador, donde lo especulativo acaba cediendo el relevo a lo poético.


Un clásico instantáneo que, junto a otros títulos de reciente cosecha (Sen to Chihiro no kamikakushi, de Hayao Miyazaki, Vampire Hunter D: Bloodlust, de Yoshiaki Kawajiri, o Millennium Actress, de Satoshi Kon), demuestra que el anime es una inagotable sinfonía de estéticas, hallazgos y tonos, lejos de esa uniformidad de la que solo podría acusarle un ojo occidental sin educar.>>Para quienes crean en la sólida arquitectura de los sueños. Lo mejor: la lírica y enmudecedora catarsis de destrucción final.

4 estrellas

El castillo ambulante (2004)

Nominada al Oscar a la mejor película de animación / Animación. Fantástico. Aventuras. Romance / SINOPSIS: La joven Sofía ya tiene 18 años, pero sigue trabajando incansablemente día tras día haciendo sombreros. Tras el éxito mundial de "El viaje de Chihiro", Miyazaki vuelve al panorama internacional con otra historia fantástica de animación de los estudios Ghibli.

Iba con dudas porque sabía que esta película estaba dentro de la corriente de El viaje de Chihiro, es decir, el Miyazaki más extravagante, mientras que yo prefiero al costumbrista de Mi vecino Totoro.Y una vez vista tengo que decir que me ha encantado y ya entra a formar parte de mis películas favoritas de este genial director.Realmente la cinta tiene muchos fallos, pero en esta película hay tanta magia y momentos maravillosos que todo eso supera a los defectos. Al salir del cine casi que veía todo de otra manera, como si hubiera magia también en la ciudad...






Lo mejor:
- La animación, los fondos (espectaculares), los personajes principales se hacen querer, secuencias bellísimas, la historia de amor (aunque le falta algo de desarrollo), la banda sonora...

Lo peor:
- Tiene algún pequeño fallo de ritmo hacia la mitad y hay muchas cosas que quedan sin explicar. Quizá mucha gente lo encuentre innecesario, pero me habría gustado saber más acerca de la guerra, de la bruja del Páramo, de la tal Suliman... Y hay puntos que piden a gritos una explicación, como el cambio de actitud de uno de los personajes principales hacia la mitad de la película
- Estéticamente sigue el estilo Miyazaki de mostrarnos en una misma película lo más bello y lo más horrible. Hay momentos realmente horrendos, pero ahí radica la originalidad de este director.

En resumidas cuentas, es una película que desconcierta y maravilla a partes iguales, como los propios sueños.

4 estrellas

El castillo en el cielo (1986)

Animación. Fantástico / SINOPSIS: Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la Fortaleza Celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misteriosos lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.





La prolífica imaginación de Hayao Miyazaki y su fructífera asociación con Studio Ghibli ha dado lugar a lo largo de varias décadas a un número nada despreciable de largometrajes de animación que se pueden contar entre las grandes joyas de este género. En medio de la titánica competición de colosos (Disney, Disney-Pixar, Dreamworks, Twentieth century Fox, Studio Ghibli...), la animación japonesa lleva largo tiempo confirmándose como una de las más imaginativas y creativas de toda la historia, sin desmerecer los méritos de las otras grandes compañías, pero marcando un punto y aparte con respecto a las demás.Miyazaki deja inconfundiblemente su sello personal en cada una de sus producciones, insuflándoles abundantes elementos comunes y recurrentes y creando historias a cuál más bella y única pese a que en todas veremos muchos detalles reiterativos.En "El castillo en el cielo", Miyazaki se centra en uno de sus temas más abordados: la guerra por el poder, ese poder que es letal porque corrompe y destruye la paz y la armonía.Un gran misterio y una fascinante leyenda se ocultan tras una legendaria isla-castillo flotante que algunos afirman haber visto. Pazu, un chico optimista e intrépido, ha escuchado esa leyenda desde su más tierna infancia; y Shita, una chica que posee una rara piedra luminosa, está siendo perseguida y acosada a causa ellas (la leyenda y la piedra).Con ese estilo tan característico de Studio Ghibli que recurre invariablemente a la animación tradicional, regalándonos imágenes repletas hasta el delirio de detalles que representan la naturaleza en todo su esplendor, combinada con una recreación de ciudades fantásticas de extraña y volátil arquitectura, de barrios industriales y humildes, de lugares de ensueño que parecen diseñados por la mano de un dios especialmente artista... Naturaleza y artificio humano perfectamente combinados, y aderezados por una trama intrigante que nos va desvelando el misterio, por una acción desbordante, un sentido del humor simpático que nos hace sonreír, ternura, valores imperecederos, la lucha del bien y del mal, personajes que van desde un extremo al otro pasando por los que se sitúan en el centro... Decididamente es menos compleja y los personajes están tratados con más simpleza que en otras películas del genio japonés, pero ello no eclipsa el deslumbrante espectáculo que se nos ofrece y que a los amantes de la buena animación nos hace disfrutar de principio a fin. Otra pequeña pega tal vez sea su duración; dos horas me parecen un poco excesivas para una película de estas características. Pero, aún así, y pese a que no alcanza las cotas de calidad de otros productos de Miyazaki (sí las alcanza en lo técnico, aunque en mi opinión no en lo argumental), no se debe dejar de ver una película que sin duda conseguirá que empleemos bien el tiempo que le dediquemos.Enhorabuena, Miyazaki. Gracias por tantos años dedicándote a deleitarnos, asombrarnos, maravillarnos y hacernos soñar.

4 estrellas

Atrápame si puedes (2002)

Sinopsis
Frank Abagnale Jr. trabajó como médico, abo-gado y copiloto de una de las grandes líneas aéreas, todo ello antes de cumplir los diecio-cho años. También fue un genial falsificador y sus habilidades le otorgaron una plaza en la historia. A la edad de 17 años, Frank Abagnale Jr. se convirtió en el ladrón de bancos de más éxito en la historia de Estados Unidos. El agente del FBI Carl Hanratty dedicó la mayor parte de su tiempo a perseguir a Frank para llevarle ante la justicia, pero Frank siempre estaba un paso por delante, retándole a continuar la caza.









Graciosa, interesante y dinámica, llena de detalles y con un final lógico y satisfactorio.Atrápame si puedes, el melodrama futurista A.I. Inteligencia Artificial, y el thriller cibernético Minority Report contienen todas ellas un elemento en común: una preocupación por el abandono, la soledad y la autodestrucción, temas recurrentes del autor que nos ocupa, producto de la separación que padecieron sus padres cuando él era un adolescente. Las tres componen una trilogía con la que el director de Tiburón cierra una etapa más en su ya de por sí prolífica, variada e interesante filmografía. A David y John Anderton se añade ahora la figura de Frank Abagnale Jr., personaje real con el que Spielberg salda una pequeña cuenta pendiente: la realización de una digna comedia.Un malo irresistible


No es la primera vez que el cine nos muestra personajes malvados que, a pesar de su lado criminal, resultan irresistibles y verosímiles. sistbes y verosímiles. Ahí están Paul Newman y Robert Redford en Dos hombres y un destino, sin olvidarnos de un actor que ya antecedió con sus interpretaciones a este tipo de rebeldes encantadores: Humphrey Bogart. Leonardo DiCaprio encarna a un tipo parecido que delinque con habilidad y carisma, sin tecnología, y lo hace con elegancia, madurez y convicción. Entre este y el siguiente papel en Gangs of New York, demostrará a todos sus detractores y fanáticas chiquillas que no es un actor cualquiera, impulsado por un solo éxito (Titanic), y que posee vocación de sobra para dejar un valioso legado. De momento, su agraciada interpretación se suma a las excelentes que ya consiguiera en Vida de este chico o Diario de un rebelde.


Existe la confusión entre más de un espectador por la cual se piensa, erróneamente, que una comedia, para ser buena, debe contener cuanto mayor número de carcajadas y gags, mejor. Es evidente que esta afirmación no hay por donde cogerla, y si no, que se lo pregunten a Ernst Lubitsch y Billy Wilder, los auténticos demiurgos del género, considerado por la mayoría, como el más complejo de llevar a cabo.


Steven Spielberg, en la friolera de cincuenta y seis días de rodaje, se ha reinventado a sí mismo gracias a su vocación documental, al mismo tiempo que ha sido pragmático y realista. Ha parido lo que podríamos llamar cine de evasión, y lo ha hecho a través de una perfecta y agradable miscelánea de géneros, síntoma de que cada vez realiza obras más personales, conmovedoras y variopintas. Con un ritmo desenfrenado y una evolución verosímil y coherente de sus personajes (Tom Hanks y Christopher Walken engrandecen la cinta), dedica una oda al disfrute de la vida, y con densa varios temas: el sueño americano, el mundo de las apariencias, y el problema acerca de cómo crecer inmerso en el drama de una familia. Todo ello ambientado en la década de los sesenta, época previa a la contracultura, y nostálgica por su inocencia e ingenuidad. John Williams pone la nota de jazz.


4 estrellas